Del realismo al esteticismo



Enfoque
Qué incidencia tuvo en la pintura, el realismo y el esteticismo en 1870, como el impresionismo convivió con estas dos tendencias, y sobre todo poder determinar si ambas estuvieron en un mismo momento o hubo prevalencia de una sobre la otra. Para ello a continuación se presentará una serie de artistas con sus obras para poder determinar cuànto hay de esteticismo y cuánto de realismo .



Introducción

-La estética tradicional en los siglos XVIII y XIX estuvo dominada por el concepto del arte como imitación de la naturaleza. Novelistas como Jane Austen y Charles Dickens en Gran Bretaña, y dramaturgos Carlo Goldoni en Italia y Alexandre Dumas (el hijo de Alexandre Dumas padre) en Francia presentaban relatos realistas sobre la vida de la clase media. Pintores neoclásicos, como Jean Auguste Dominique Ingres, románticos, como Eugène Delacroix, o realistas, como Gustave Courbet, representaban sus temas poniendo mucho cuidado en el detalle natural.

Ante una sociedad pragmática y rígida, el relax y la devoción por lo hermoso que proclamaba el esteticismo eran una provocación . Los esteticistas defendían que el arte era el fin en sí mismo: lo más importante es el placer que produce la belleza misma . Entre las figuras del movimiento, el escritor Oscar Wilde,
gurú de los extravagantes y glorificador de la juventud; Dante Gabriel Rosetti y sus cuadros de exquisito prerrafaelismo.

En el siglo XIX, no obstante, conceptosvanguardistas aplicados sobre la estética empezaron a cuestionar los enfoques tradicionales. El cambio fue muy evidente en la pintura. Los impresionistas franceses, como Claude Monet, eran denunciados por los pintores academicistas por representar lo que ellos pensaban deberían ver, bastante más de lo que realmente veían, como eran las superficies de muchos colores y formas oscilantes causadas por el juego distorsionante de luces y sombras cuando el sol se mueve.


Antecedentes

-Prerrafaelistas

En Inglaterra el realismo estuvo representado por la conocida Hermandad Prerrafaelista (1848),sus obras se caracterizaban por intentar conseguir captar la realidad con la máxima perfección, reproducción precisa de todos los detalles, rayando el realismo fotográfico.
Se destacaron por el colorido, los verdes, lilas y violetas brillantes, y su fuente de inspiración fue la pintura flamenca.


Rossetti: era pintor y poeta muy místico, sus obras retoman la pintura renacentista antigua. Aportó la imagen de mujer, sensual, lejana, distante, mezcla de santa y mujer fatal.

Millet: representa el momento en que Ofelia se suicida cuando se entera de la muerte de Hamlet, la modelo estuvo horas en el agua hasta que se hizo la placa fotográfica para la obra.

Jean León Gerôme: conserva la grande maniere, en las figuras y decorados clásicos, pero abandona la escena histórica, para inclinarse por composiciones de género de la Antiguedad , de una forma colorista, delicada y sensual.

-Realismo

Courbet: al igual que Millet pintó a la mujer campesina pero sobre todo cultiva el desnudo femenino. Escoge sus temas de la vida cotidiana, la vida al aire libre y creia que el arte podía subsanar las contradicciones sociales.


Tomas Eakins (1844-1916)
Insistía en la fusión del arte de la pintura con un escrupuloso estudio de anatomía, luz, matemáticas y perspectiva y creía como muchos de sus contemporáneos, qque la fotografía era un medio que propoercionaba verdades objetivas sobre las que el artista puede levantar sus cuidadas reconstrucciones del mundo moderno. Abandona Filadelfia y va a Paris donde estudío con Gerome.
En Filadelfia observó y dibujó los acontecimientos deportivos y dirigió su atención a las piraguas,y creó el equivalente americano de las escenas impresionistas que representaban Manet, Monet y Renoir, los botes a orillas del Sena. Esta temática la aborda desde lo documental y con absoluta fidelidad del mundo visible .
Los Hermanos Biglen doblando la boya. (1873), la iluminaciíon la estudío como un problema matemático, su precisión científica era tan refinada que el ángulo de los rayos solares pertenecen al minuto y el día exacto a los que corresponde la escena. La intensidad absoluta con que Eikins se concentra en los detalles, se refleja en el rostro y cuerpo de los piraguistas, cuya exhibición de severo control físico y mental nos ofrece en este instante la imágen de la más rigurosa disciplina.

Gustave Cailebotte ( 1844-1894)
Unapintura similar a la rigurosidad americana de Eakins, fue Los acuchilladores ,1875, de Cailebotte, pertenece a la tradiciíon realista que sitúa a los trabajadores del campo o de la ciudad, en el centro de la escena.Es casi una traducción moderna de las espigadoras de Millet, desde lo rítmico de las posturas, la actividad, y los movimientos y posturas de ambas obras ponen al obrero mirando al suelo como en una jerarquía menor a la humana, donde quizás una postura erquida hubiera significado una noción de individualidad y de libertad. Tambien comparte con Eakins su predilección hacia las figuras emparejadas de movimientos acompasados, asociadas a un oficio concreto.
En su obra Una calle de Paris: tiempo lluvioso, comparte (1877) en cierta medida el sentido impresionista del momento, así como del campo de la visión recortada, que puede captar la mitad de la espalda de un transeúnte. Esta obra está cargada de una rigurosa prespectiva, hay ejes paralelos y perpendiculares y diagonales del plano de la ciudad, una imagen mecanizada, de movimientos precisos de relojería.

Degas : En la década de 1870, tambien comenzó a explorar y esquematizar los mecanismos como de relojería del movimiento humano, estableciendo una distancia frente a los sujetos de sus cuadros, a los que mira como si fueran autómatas. El ensayo (1878), observación de las bailarinas fuera de, escena,el violinista parece ajeno al tenso entrelazarse de las bailarinas, que sacrifican su individualismo para crearfiguras rígidas de anatomías en angulo recto, las ventanas inundadas de luz, lo mas desconcertante es una única pierna extendida y un pie arqueado a la derecha que corresponde a una bailarina fuera de nuestro campo visual, el plano del suelo asciende y desciende , ubicando al espectador en un plano extraño,como en los acuchilladores de Caillebotte
Según Duranty, Degas tenía predilección por las figuras recortadas, que nunca están en el centro de la escena, que desde el interior nos comunicamos a través de las ventanas con el exterior, haciendo nacer esa infinita variedad y sorpresa que es uno de los placeres de la realidad.

Monet: pintó una serie de diez vistas interiores y exteriores de la Gare St Lazare de Paris. Constituían el espectáculo constantemente cambiante de las locomotoras que van y vienen, de los borrosos movimientos, sobre las vías o en torno a ellas, y de los pasajeros u obreros sin rostros. Apropiándose de los estudios de nubes del romanticismo como Constable. La estación de tren constituía un símbolo de la modernidad. Este núcleo de la vida urbana moderna, un mundo de flujo constante, creado por los rítmos dinámicos del poder de la máquina y por el rápido movimiento de miles de personas que usan el transporte público, constituía un entorno tan cargado de energías múltiples y cambiantes que un sólo cuadro no podía abarcarlas todas.
El arte de MONET, en ocasiones calificable de científico por su enfoque , cruzó una y otra vez el umbral que separa laobjetividad de la subjetividad, porque al insistir en singularizar al artista-observador como única fuente capaz de captar la realidad visual del mundo exterior, Monet nos habla tanto de los matices, de sus propias percepciones, como sobre los datos verificables de una bulliciosa estación de ferrocarril.
Una dedicación tan apasionada a la percepción instantánea de una luz y un color cambiante, implica una falta total por el objeto pintado y el rechazo a alterar datos proporcionados por la visión para acomodarlos a unas preferencias puramente estéticas.
En 1870 se centra en temas como los bulevares de Paris, las estaciones de trenes, los barrios en expansión, esto nos indica que era consciente de las realidades cambiantes del mundo que le rodeaba.

La unión del realismo y el esteticismo era precaria y muchos contemporáneos de Monet pusieron un mayor énfasis en una de estas dos alternativas.

Whistler: artista anglonorteamericano, en 1860 en Paris había abrazado la causa realista junto a Courbet y Manet, 1870 se incrementó el componente estético.
Nocturno en oro y negro: Cohete cayendo (1875), su obra se volcó más a los aspectos musicales, poéticos y estéticos de sus cuadros por encima de la descripción del objeto temático. En esta obra Whistler, eligió el objeto más evanecente posible, los fuegos artificiales, que para poder trasladarlos al lienzo se necesitó de una rápida impresión, lograda salpicando con pequeños toques de pintura el fondo oscuro del lienzo. Para Ruskinesto fue un insulto incompetente a la tradición de hábil destreza y verosimilitud, y publicó un violento ataque hacia Whistler, quién tras una demanda judicial, de la cual salío victorioso, puso a la luz una cuestión teórica del arte ante la naturaleza, el derecho del pintor a alterar la verdad objetiva para adaptarla a unos criterios subjetivos de belleza.

Moore : pintor británicoy amigo de Whistler desde 1865 y cuyo arte enraizado en la tradición idealista, más que en la realista, era compatible con Whistler por su insistencia en la necesidad del arte de crear un mundo exclusivamente estético.
Los temas elegidos por Moore, eran mujeres indolentes, de serena elegancia, vestidas con espléndidas ropas e inmóviles en un lujoso entorno de motivos decorativos, que parecen combinar el refinamiento del japón y la grecia clásica.
Zafiros, no se le podía reprochar, deficiencias técnicas o ausencia de acabado, y alusiones al equilibrio anatómico y a los pliegues de los ropajes de la escultura griega clásica que poseían la autoridad de la tradición.
Esta obra con su matizada selección de frios tonos azules, que irradian de las perlas y del zafiro del collar , de flores y telas estampadas, declaraban ser muy cercanas a las obras de Whistler, sobre todo porque Moore reflejaba en sus pinturas la expresión inmaculada y serena de una adoración exclusiva hacia los objetos formalmente bellos.

Gustave Dore: nacido en Estrasburgo, realiza tres obras monumentales, El Enigma, ElÁguila negra y La defensa de París, todas en tonos grisáceos. De los tres lienzos, El Enigma es indudablemente el más trágico. En la cima de una colina cubierta de cuerpos, se destaca una esfinge, mítico monstruo de cuerpo de león y de cabeza humana. En la lejanía, humaredas de incendios se erigen en un París abrasado por los cañones enemigos. Bajo el cielo oscuro, una mujer alada, tal vez la encarnación de Francia, parece implorar la esfinge. Ésta parece llena de compasión, más cerca de la esfinge de la religión egipcia, guardiana del mundo subterráneo, que del monstruo que se cruza Edipo, en la mitología griega.
En 1872, firmó un contrato con una editorial de Londres ,donde estuvo tres meses y alli realizó varias ilustraciones (grabados, litografías) para algunas publicaciones donde reflejó la realidad londinense de tal modo que fue acusado por la crítica de fantasioso más que de ilustrador.
Doré presenta una vista panorámica diabólica de un mundo infernal aunque humano, que muestra la otra cara de la revolución industrial, burlándose de la idea de progreso. En uno de los grabados El tren por encima de Londres -1872-, nos da una imágen, cristiana medieval del castigo eterno a las realidades de la vida en los barrios bajos del S XIX,( las casas de los obreros mecanicamente ordenadas , almas desesperads, amontonados en grupos familiares, cuerdas de tender la ropa entre aprisionadas chimeneas, y patios traseros apiñadas donde la luz del sol parece no haber entrado jamaś).Es de un gran pesimismo urbano, casi apocalíptico.

John Atkinson Grimshaw ( 1863-93): artista inglés, trabajó el pesimismo urbano más documental que apocaliptico. Utilizaba la fotografía para asegurar la exactitud de sus vistas, en su obra El muelle de Liverpool a la luz de la luna-1887, aquí el espectador puede observar todas las cosas que se venden en el escaparate de la joyería, o incluso leer los anuncios publicitarios de los carteles, el relato que hace Grimshaw de Liverpool, capta la abrumadora desolación de innumerables ciudades modernas, que alterna con hilera de almacenes y viviendas urbanas y en las que la luz amarilla y artificial de las tiendas se abre paso a través de la niebla que envuelve a transeúntes y carruajes.


Jean- Francois Raffaëlli ( 1850-1924) retratista, paisajista, pintor de género, litógrafo, grabador y escultor, nació en París en una familia burguesa.
Durante los años 1870 y finales de la década de 1880, pintó muchos aspectos de los suburbios de París, retratando a menudo escenas de la vida de los personajes de las clases sociales más bajas que estaban siendo desplazados por el inicio y la rápida expansión del desarrollo social y urbanístico de la gran urbe. Sus representaciones de los barrios, los tugurios y fortificaciones del viejo Paris crearon por su mano un género propio y un estilo inconfundible que las ha hecho perpetuar hasta hoy. En 1884 celebró una exposición individual y cinco años más tarde, recibe una medalla de oro en laExposición Universal de 1889.

Su obra Los bebedores de absenta (1881),estudia un tópico de la vida moderna, una pareja de harapientos y sucios en el fondo de la escala social y adictos a la absenta que colocada en el centro de la composición domina sus vidas, inertes y desesperadas. La desolación y la pobreza están en todas partes, desde la casita del ferrocarril hasta el rótulo del anuncio con un dibujo despintado. Se consideraba a si mismo naturalista, aunque por los temas de sus obras y el peso de las realidades mas oscuras de la condición humana, ha sido considerado en la categoría del realismo.


Tomas Eakins : reflejó muchas de estas ambiciones en su pintura La clínica Gross-1875,documentaba a gran escala los logros de la medicina moderna, tal y como aparecían en una representación que podía haberla hecho un testigo ocular, de una clase de anatomía. En parte un retrato profesional de un cirujano el Dr, Groos y en parte una exposición naturalista de la realidad de la anatomía y de la cirugía moderna. Reflejaban las verdades más duras de la realidad, la vista de la nalga y del muslo diseccionado, el material médico en primer plano, las mano del doctor con manchas de sangre.
Aquí el autor mantiene su creencia en la convergencia de la realidad del arte y la realidad de la ciencia que él ya había revelado en sus escenas de remo.
A su vez esta obra alude a la Lección de anatomía de Rembrandt, con un contraste emocional como es el de la madre del paciente llorando, ylos fríos miembros de la profesión médica, los sombríos espacios como los de Velázquez y el soberbio toque de luz en la frente del doctor que señala a la mente detrás de todo este acontecimiento.

Henri Gervex (1852-1929): autor francés , presentó un cuadro similar al de Eakins, Antes de la operación: el Dr Péan explicando el uso de las pinzas hermostáticas. (1887)el desnudo femenino, el material médico y la franqueza documental , la disposición fortuita, así como el recorte de las figuras, pertenecen al mundo de Eakins, sin embargo la demostración médica de Gervex parece un relato neutral de una realidad cotidiana, recordando al público que la medicina formaba parte de la marcha hacia el progreso científico.


Conclusión:

Realismo y naturalismo: si esta distinción pueda servir de algun propósito, en medio de la confusión semántica que rodea a una palabra como realismo, con el término naturalismo, se podría definir la rama del realismo que se concentra en el relato periodístico de la vida de la clase humilde, con el estilo mas literal, en oposición a la rama del realismo que se conoce como impresionismo, el cual en su búsqueda del mundo visible más efímera y subjetiva, desarrollaba un estilo que tendía a transformar el momento de la vida seleccionado por el pintor en algo que resultaba más claramente arte que documentación social.
Realismo y esteticismo, fueron dos tendencias que convivieron durante este período, en las obras y en cada uno de los artistas.