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La versatilidad del eclecticismo - la Última etapa de james stirling



Esta tendencia se basa en la confianza de conseguir nuevos resultados formales a partir de la mezcla de figuraciones de origen diverso. Incluso los factores contrarios (abstracción y figuración, historia y modernidad, artesanía y tecnología).Interés por mostrar una obra sugerente y confortable sin atender al proceso ni a la poética del montaje. Por eso se basa en la superposición de diversas pieles, soluciones híbridas que no eluden la ornamentación.

Es una arquitectura inclusivista y de síntesis, basada en la mezcla y el contraste. Parte de una actitud contextualista que toma datos empíricos y se inspira en las características, historia y lugar donde interviene.

Remodelación de la Iglesia Neoclásica de L´Hospitalet en Ibiza (1981-1984) de Elías Torres Tur y J. A. Martínez Lapeña.
Ejemplo de esta tendencia. Esta obra, cercana también al mecanismo de la obra de arte, se basa en una libre remodelación de una capilla, convirtiendo la mayoría de los elementos de la iglesia en artilugios capaces de desplazarse. Ello permite alternar el uso religioso con el de Sala de Conciertos y exposiciones.





LA STRADA NUOVÍSIMA.

La manifestación más clara de este espíritu eclecticista es la exposición para la Bienal de Venecia (1980) “La presencia del pasado”. Claro manifiesto de defensa de la arquitectura contextualista. Se celebra el consenso y síntesis de los desarrollos postmodernos de los 70. Cada arquitecto podría proyectar un Staud. Predominaba la transición desde lo abstracto a lo representativo.

Representantes norteamericanos: R. A. M. Stern, Charles Moore, M. Graves. Defendieron un manierismo clasicista.
Representantes europeos: predominaba el lenguaje postmoderno y otros en una interpretación conceptual de la historia.
Otros como Koolhaas/Elia Zenghelis (OMA), Gehry, Isozaki; optaron por propuestas de características artísticaspróximas al arte povera.

La propuesta más atractiva es la de Hans Hollein, una contestación irónica al contexto de las columnas.


LA ÚLTIMA ETAPA DE JAMES STIRLING.

Sus primeras obras próximas a los paradigmas del Movimiento Moderno y a Le Corbusier. Sin embargo, a finales de los 70 y principios de los 80 su despacho entra en crisis. Tras el fracaso de su obra realizada con alta tecnología Biblioteca de la Facultad de Historia de Cambridge de 1964.1967, tenderá a utilizar materiales cada vez más tradicionales como el ladrillo y la piedra, y empezará a introducir referencias históricas. Los elementos de modernidad tecnológica y formal se mantendrán de manera controlada.




Desde mediados de los 70 luchó contra el aburrimiento por la repetición de la arquitectura moderna, contra su trivialidad y su incapacidad para emplazarse en contextos históricos. Para ello, desplegó una obra que fuera narrativa y figurativa, a la vez abstracta y avanzada tecnológicamente, de forma que la disonancia y la paradoja fueran su estrategia estética.

Toda su última obra se basa en una arquitectura hedonista, para ser disfrutada por los sentidos. Concepción de la arquitectura como consecuencia sensible de espacios, de formas, volumetrías distintas, sistemas de obtención de luz diversas, y referencias estilísticas contrastadas.

Ampliación de la Staatgalerie de Stuttgart (1977-1984).
Parte de un condicionante que intenta integrar positivamente en el proyecto: crear un itinerario peatonal independiente que atraviese el museo. Cruza el edificio por el eje central, salvando el desnivel entre fachadas.

El restode los edificios que se articulan, disfrutan de su propia autonomía. Revalorización de la tipología museística tradicional (recuperación del sistema de salas en enfilada, reinterpretación tipológica del Artes Museum).

La situación urbana y el programa de cada una de las piezas determinará la forma. Los volúmenes de acceso, a causa del desnivel del terreno, definen una serie de rampas y terrazas que disuelven la fachada.

El exterior se presenta como un paisaje de volúmenes, muros y rampas.

En la concepción general del edificio, sobre el soporte de los criterios académicos de axialidad, se desarrolla de forma superpuesta una concepción pintoresquista basada en la secuencia de diversos espacios percibidos a través del recorrido.

La obra de Stirling, ha desarrollado la pretensión de integrar la abstracción (Movimiento Moderno, Constructivismo, de Stijl) como la figuración histórica. De ahí la heterogeneidad de espacios, sintaxis y materiales que se utilizan en el edificio. Actitud predominantemente híbrida.

Para Stirling el sistema Beaux – Arts y la Bauhaus, en los extremos opuestos son inútiles. Su voluntad ha sido la de encontrar un camino equidistante de ambos (figurativo y abstracto, artesanal e industrializado, culto y popular).

Ampliación de la Tate Gallery en Londres (1980-1986).
A base de un pequeño pabellón, la Clore Gallery. Recurre a la idea confortable de museo tradicional, recuperando el sistema de salas en enfilada. Reinterpretación de otra galería de arte: la Dulwich Gallery de John Soare, también en Londres.

El acondicionamiento técnico de estas salas (iluminación,humedad, control, seguridad,) se ha resuelto con alta tecnología tras una epidermis convencional.

En los accesos y espacios públicos se ha recurrido a un exagerado lenguaje contemporáneo. El exterior muestra el eclecticismo. Introduce un modulado que le permite, en contacto con el edificio antiguo, mimetizar sus características formales, y de manera paulatina va adoptando su propio lenguaje moderno. En la fachada trasera se marca el fuerte carácter funcionalista y tecnológico.
LA ARQUITECTURA DE HANS HOLLEIN.

A lo largo de los 70 empieza a tomar importancia su obra. En sus inicios se dedicó al diseño de orfebrería y al arte conceptual. Poco a poco se va convirtiendo en un poeta de la mercancía que rechaza el reduccionismo de la estética de la máquina y el funcionalismo.

Museo Municipal de Mönchengladbach (1972-1982).
Utiliza continuamente la metáfora. Basado en la articulación de toda una serie de volúmenes autónomos y dispersos. Se expresan diversas influencias y objetivos:


a. Elude la definición de un edificio compacto con una fachada representativa y resuelve el proyecto como una serie de objetos dispersos. Así se integra en el paisaje y el entorno, como una especie de museo semienterrado.
b. Renuncia a la definición de una fachada convencional configurando un conjunto de plataformas, itinerarios peatonales, espacios públicos que se asemeja a la Staal Gallerie.
c. En el exterior, cada volumen adopta su forma evocativa. Un pequeño templete define el acceso desde la plataforma al museo subterráneo. La parte superior de las salas aparece con sus paramentos de chapa metálica y lucernarios en formade diente de sierra.
d. En el interior, el museo se basa en una serie de salas cuadradas a las que se accede en diagonal.

Esta solución global, que se convierte en una especie de parque de esculturas, estaría próxima a la posición de entender la arquitectura como obra de arte.

Museo de Salzburgo.
Proyecto no realizado. Excavado en el corazón de la colina de Mönsberg, con forma de caverna y muros tallados en la roca. La montaña se convierte en la piel, y la cúpula, que recuerda al Guggenheim de Nueva York, y un sofisticado sistema de iluminación cenital permite la llegada de luz exterior a cada rincón.

Estrecha relación con e proyecto defendido en los 70 por Venturi: sintetizar tendencias contrapuestas, arquitectura madura, sugerente y compleja, recurriendo a los efectos escenográficos con un fuerte diálogo con los sentidos.


FIGURACIÓN Y MODERNIDAD EN A. ISOZAKI Y G. PEICHEL.

Combinan el uso de altas tecnologías con figuraciones hedonistas ricas en significados.

Arata Isozaki (1931).
Se inició como discípulo de Kenzo Tange, y miembro del grupo Metabolism, ha desarrollado una trayectoria eclecticista y con gran capacidad de adaptación al contexto.

Museum of Contemporary Art (MOCA) en Los Angeles. Juego de volúmenes simples (pirámides, cubos, cilindros,) que alcanza su propia identidad en un agresivo entorno de edificios terciarios.

Centro Cívico de Tsukuba en Tokio (1979-1983). Su obra más eclecticista. Edificio recubierto por planchas de aluminio, recrea al mismo tiempo referencias retóricas a los órdenes clásicos. Las superficies lisas y brillantes contrastan con losmuros lisos. Se evidencian las influencias de la arquitectura norteamericana (Wright, Graves).
Discoteca Palladium de Nueva York. Uso espectacular de la tecnología.

Gustav Peichl (Viena 1928).
Su arquitectura sabe adaptarse al entorno natural y celebrar con sus formas industriales referencias simbólicas al pasado.

Estación radiosatélite en Aflez (1976-1979). Conjunto situado bajo el nivel del suelo, recubierto de pasto en verano y de nieve en invierno. Se sintetizan la perfección técnica y las referencias a la arquitectura tradicional vienesa de Otto Wagner y Adolf Loos. Sintoniza con los planteamientos del Land Art.

Estudios para la Radiotelevisión austríaca (1979-1981). Los elementos high – tech conviven con referencias a la arquitectura de Rossi, las formas más racionalistas con articulaciones orgánicas.

Planta depuradora de agua de Berlín – Tegel. Referencias vienesas más el expresionismo de H. Poelzig. Se ha especializado en complejos industriales y edificios culturales. Su obra es una muestra sugerente de la condición contemporánea: una arquitectura tecnológica que no renuncia a las citas históricas.

Centro de Arte y Exposiciones en Bonn (1986-1992). Recinto de planta cuadrada con patios interiores y tres torres cónicas.


EXPERIENCIAS EN EL CAMPO DEL INTERIORISMO Y EL DISEÑO INDUSTRIAL.

Esta actitud ecléctica y abierta a la experimentación ha encontrado su más amplio campo de desarrollo en el mundo del diseño industrial y el interiorismo, especialmente en Italia, Francia, Alemania y España. Un nuevo terreno que se mueve a caballo del diseño y la arquitectura.

EttoreSottsass y Alessandro Mendini en Italia y Phileppe Stark en Francia. Todos han roto las barreras tradicionales entre el diseño industrial, el diseño gráfico, el arte, el interiorismo y la arquitectura. Predomina una capacidad singular para imaginar y representar objetos nuevos.

Ettore Sottsass.
Trataba de proponer unas formas vitales y lúdicas que se opusieran a la frialdad de la producción en serie. Influido tanto por concepciones mágicas – rituales como por el expresionismo abstracto y el pop – art norteamericano, se alinea a principios de los años 70 con el incipiente anti – design italiano.

Alessandro Mendini.
Los diseños e interiores, muy a menudo muebles con acabados cromáticos, son otro resultado de los mecanismos posmodernos abiertos a las teorías de Robert Venturi y de esta necesidad de recuperar la capacidad significativa del diseño y acercarse a los gustos del usuario. Aquello que predomina es la epidermis, la película sensual, perceptiva y simbólica de todo objeto o espacio.

Mendini, que en los últimos años se ha volcado en el terreno de la arquitectura, realizó un iconoclasta museo para la ciudad de Groningen en Holanda.


Philippe Starck.
Diseñó el Café Costes en París.

La mayoría de estos arquitectos y diseñadores prefieren el trabajo creativo e independiente desarrollado en equipo.

A finales de los 80 aparece un nuevo tipo de obras que están desarrolladas como híbrida consecuencia del hedonismo posmoderno y el nuevo repertorio propugnado por la nueva abstracción formal.
Ron Arad y Nigel Coates, formados en la Architectural Association de Londres. Realizan undiseño industrial mucho más próximo a la singularidad de la obra artística. Ron Arad destaca por sus muebles de plancha metálica doblada. Y Nigel Coates es conocido por sus interiores abigarrados, a la vez neobarrocos, historicistas y abstractos.

En España y especialmente Cataluña, destaca Tusquets y Javier Mariscal.





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