El arte del Renacimiento (II)
La escultura renacentista tenía como objetivo principal la representación de la belleza. Al escultor no le bastaba con plasmar la realidad, sino que debía hacerlo con el mayor rendimiento estético. Como en el resto de las artes, en la escultura se percibe una cierta diferenciación entre el estilo del siglo XV, en el que se empleó con profusión el bronce, y el virtuosismo del siglo XVI, en el que se tendió a utilizar con preferencia el marmol.

La escultura en el siglo XV
Uno de los primeros acontecimientos escultóricos del Renacimiento fue la convocatoria del concurso para realizar las puertas que completasen las ya elaboradas por Andrea Pisano (h.1295-1349) para el baptisterio de Florencia. En él compitieron tres de las grandes figuras de la escultura renacentista
El ganador, Lorenzo Ghiberti (1378-1455).
Jacopo della Quercia (h. 1374-1438).
Filippo Brunelleschi (1377-1446).
En los relieves en bronce de estas obras se podía percibir la tendencia de los tres autores a emular los modelos clasicos.
Entre este tipo de manifestaciones sobresalió con vigor la personalidad de uno de los grandes escultores delRenacimiento: Donato di Niccolo, Donatello (1386-1466). Su obra se caracteriza por la sensibilidad, la expresividad y la carga psicológica y dramatica de los personajes representados. Entre su producción destacan la serie de estatuas de la capilla de Orsanmichele, los cuatro profetas de la catedral de Florencia, el David, considerado como la primera estatua desnuda exenta del Renacimiento, y la estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata.
Destacable en el Quattrocento mas tardío es la obra de Andrea del Verrocchio(1435-1488), autor de una estatua ecuestre del Condottiero Colleoni, en Venecia, de notables expresividad y fuerza.

En el arte parietal hay que distinguir el que se encuentra en el interior de las cavidades, del realizado en sus bocas o en abrigos abiertos y el plasmado en estaciones plenamente al aire libre. El relieve se da más en estos últimos.
Las tres técnicas básicas empleadas en el arte parietal paleolítico son el grabado, el bajorrelieve y la pintura. Éstas se podían hacer aisladas o combinadas entre ellas. Es frecuente encontrar la combinación de un fino grabado lineal, a modo de esbozo, junto con pintura.
Hay una estrecha relación entre el trabajo en relieve y los grabados, como puede apreciarse en los modelados y grabados sobre o con arcilla. Algunas paredes de las cuevas aparecen recubiertas por películas de arcilla, restos de las corrientes de agua subterránea. Aquí los hombres prehistóricos también dejaron sus huellas artísticas. Breuil, consideró que los rastros de dedos en la arcilla (macaronis) que representan líneas sinuosas y simples siluetas de animales, serían uno de los elementos más antiguos.Cueva de Altamira, España Cérvido grabado en roca. Cueva de Dña Trinidad, Ardales.
Málaga.







GRABADO

El grabado es una incisión, un surco o entalladura generalmente sobre un soporte duro. Para realizarlo, el hombre paleolítico podía haber utilizado un buril o simples lascas u hojas de sílex. Si el soporte lo permitía, también se utilizaba la técnica del martillado. Los hombres prehistóricos grababan las figuras con uno o varios trazos finos o profundos y luego las pintaban. En otras ocasiones, se hacía la silueta con pintura y se reforzaba el contorno con grabado. También se hacían raspados, estriados, sombreados o simples líneas para acentuar los volúmenes. Incluso se cubrían las paredes con una fina capa de arcilla de descomposición de la caliza con el fin de acondicionarlas para la elaboración de las pinturas.


Caballo grabado en el centro del gran panel de Cussac Cave (Dordogne - Francia)

PINTURA

Los hombres también pintaban las figuras sin emplear el grabado, silueteándolas mediante pincel, tamponado (un útil que actuaba como un tampón y que desarrollaba un trazo discontinuo), con trozos de carbón vegetal o los dedos.

Los colores básicos eran
==> el negro (obtenido del manganeso y el carbón)
==> el rojo (óxidos de hierro u ocre amarillo o limonita)
==> el color amarillo (variedades de arcilla o de limonita)a€šChinese Horse Paleolithic Cave Painting at Lascaux

Se ha constatado una amplísima gama de tonalidades según el tipo de colorante utilizado, mezclas realizadas, disolución del pigmento, cantidad o el modo de aplicación. Además hay que tener en cuenta su posterior degradación a lo largo de los milenios. Por ejemplo, ciertos ocres que van desde el marrón hasta el anaranjado, e incluso blancos (hay un caso único como es la mano de Gargas). Estos colores se utilizaban en seco o mezclados con agua u otros aglutinantes, como plasma sanguíneo, grasa, agua, orina o clara de huevo. Recientemente, se han llevado a cabo numerosos análisis de pigmentos de algunas pinturas de cuevas francesas y han demostrado que muchos de ellos estaban preparados con aglutinantes orgánicos, como aceites vegetales o grasas animales.

Las figuras solían ser de un solo color o rellenas de este único color. Para dar mayor sensación de modelado, se recurría a la bicromía (las figuras aparecen rellenas de pigmentos cuidadosamente sombreados mediante la combinación de dos colores en el mismo animal). La tricromía sólo aparece en los grandes conjuntos pictóricos de Altamira, Lascaux y Niaux, y son el resultado de di  

Donatello, estatua ecuestre del condottiero Gattamelata, Padua.

La escultura en el siglo XVI
La escultura del Renacimiento clasico o tardío estuvo dominada sin duda por la trascendencia de la obra de Miguel Angel Buonarroti (1475- 1564). La creación del genio toscano, quien continuamente repetía de sí mismo que se consideraba sobre todo escultor, aportó nuevos recursos a este arte, como el mayor dinamismo de las formas o la expresión de fuerza contenida.
Inicialmente inspirado por Donatello, quedó fascinado por las estatuas dela Antigüedad clasica, en su mayoría copias del periodo helenístico, que se descubrieron en su tiempo en las excavaciones romanas.
De tal inspiración nacieron obras como el célebre David (1504-1505), instalado en la plaza de la Señoría de Florencia y actualmente conservado en la Galería de la Academia. Junto a esa magnífica expresión de arrogancia, serenidad y energía contenida destacan en la producción escultórica de Miguel Angel la Piedad, en San Pedro del Vaticano, las figuras de Moisés yLos Esclavos, las únicas realizadas para el grandioso proyecto de la tumba del papa Julio II, y el conjunto funerario de lastumbas de Lorenzo y Giuliano de Médicis.

Miguel Angel, David (Galería de la Academia, Florencia).
 
Tras el estilo grave y la genial inspiración de Miguel Angel se desarrolló el estilo denominado manierismo, que desembocaría mas adelante en el arte Barroco. A esta fase pertenecen
Los complicados relieves de las piezas de orfebrería de Benvenuto Cellini (1500-1571).
Los abigarrados grupos de marmol de Giovanni Bologna, Giambologna (1529-1608), con posturas en inverosímiles equilibrios.

Pieza de orfebrería de Benvenuto Cellini.