Jacques-Louis David: La muerte de Marat

1793. 165 x 128 cm. Oleo sobre lienzo.
Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruselas.
-Es un espacio lúgubre, sombrío y apagado dado por la contraposición de sombra luz no justificado.
La simplicidad del conjunto es notable. Parece como si a David sólo le interesara destacar al protagonista y su obra; todo lo demas le resulta marginal.

- No hay ninguna idealización formal.
- El lado de la caja-mesa, que fija el plano-límite del cuadro, es un eje sobre el que se ven, con la alucinante evidencia de un trampantojo, las nervaduras de la madera, los nudos, los agujeros de los clavos; en las hojas se leen las palabras escritas, la fecha.

El borde de la tina, cubierto a medias por una tela verde y a medias por una sabana blanca, es la línea que separa las dos regiones, la de las cosas y la de la nada. Existe una intensa tensión entre las líneas verticales y las horizontales que sirven de estructura a la figura de Marat. Observemos cómo la curva que existe entre las líneas rectas rompe la rigidez de la obra, a la vez que acentúa el dramatismo (según la teoría manifestada por Kandinski de que un arco contiene una gran carga expresiva).

Podemos comprobar geométricamente que la mano que aguanta el escrito es el centro de una circunferencia cuyo arco reseguiría el brazo caído y pasaría por la boca, uniendo tres elementos expresivos muy claros. Un segundo arco sobre elmismo eje centra la atención en el escrito y resigue el brazo izquierdo. La cabeza quedaría situada en el cruce de los dos arcos y en la línea de la tangente que los une.

La cabeza, el escrito y la pluma estan íntimamente relacionados mediante una figura triangular. La pluma señala la dirección del escrito, en vez de estar abatida. Igualmente, la nariz nos lleva hacia el escrito, como si en éste se centraran los valores humanitarios de Marat.
No hay figuras secundarias que nos pudiesen distraer del hecho 'sagrado' y del personaje idealizado.
El plano-límite del cuadro esta definido por la caja, que es la que da estabilidad compositiva a la obra. Se trata de un cubo que le sirve, a su vez, de lapida ('A Marat. David').
Notamos en la figura la relación entre la nariz, que sigue la horizontal del borde de la bañera, y las cejas, que siguen las verticales de la caja y el brazo, y también la caída de la cabeza sobre el brazo. Y en el centro de convergencia de este esquema compositivo, la boca de Marat, con su enigmatica sonrisa del filósofo que ve realizarse lo que sabía que era su destino.

-La definición del lugar, tan detallista en primer plano, desaparece en la parte alta, mas de la mitad del cuadro esta vacía, es un fondo abstracto, sin ningún signo de vida. De la presencia tangible de las cosas se pasa a su desolada ausencia, de la realidad a la nada, del ser al no ser.
-En el cuadro hay una decididacontraposición de sombra y de luz, pero no hay ninguna fuente luminosa que lo justifique como natural. Hay luz en vez de vida y sombra en vez de muerte; no se puede pensar en la vida sin pensar en la muerte, y viceversa. La firmeza y la frialdad de la contraposición luz-sombra dan al cuadro una entonación uniforme, lívida y apagada, cuyos extremos son la sabana blanca y la tela oscura.

-En cuanto al aspecto tonal, el 50 % de la obra es una zona oscura, un 25 % esta dominada por tonalidades grises y otro 25% por zonas con una fuerte iluminación.
-Su técnica primorosa, su definición de líneas, su escrupuloso detallismo, su nítido realismo, embellecido por un trabajo de luces magnífico que llena la habitación de una atmósfera magica y grandiosa a pesar de su simplicidad. Un monumento al ídolo, pero un monumento también a la pintura.

-Desde mediados del S. XVIII hasta mediados del S. XIX, Europa vive una serie de cambios políticos, sociales y culturales que se proyectan en la Historia del Arte en una compleja maraña de movimientos y corrientes. El impacto histórico de la Ilustración, la Revolución francesa, el Imperio Napoléonico, la vuelta a la Europa del Antiguo Régimen después de 1815, o la Revolución Industrial, son buena prueba de la serie de acontecimientos decisivos que ocurren en este periodo, cambiando las circunstancias y la mentalidad de la población europea, y abriendo el porvenir al mundocontemporaneo.
El arte refleja las alteraciones de esta época, respondiendo a cada momento histórico con una expresión particular, aunque ahora nos interesa una de estas manifestaciones artísticas, que coincide con el impulso de la Ilustración, el triunfo de la Revolución francesa y que se prolonga durante el Imperio Napoleónico: el Neoclasicismo
El Neoclasicismo, surge como una reacción lógica a la exageración formal y sobre todo ornamental a que había llegado el último Barroco y el Rococó. Influye también el sentido racional y pragmatico imbuido por la Ilustración entre las corrientes intelectuales. El Neoclasicismo por ello es un arte frío y racional, que encuentra precisamente en los modelos de la Antigüedad Clasica, griega y romana, la inspiración adecuada para desarrollar un arte ordenado, que refleje las virtudes morales del hombre, que recupere la belleza del canon de proporcionalidad y la armonía, y que sea claro, simple y sencillo. Lo contrario justamente de lo que había sido el Barroco, estilo al que ahora se desprecia por considerarlo un arte superficial y frívolo, de engaños y exageraciones, que es ademas opuesto al espíritu racional de la Ilustración.
Así, en pintura, los colores intensos, los efectos de luz, la técnica espontanea de pincelada gruesa y composiciones siempre dinamicas, se transforma ahora en una plastica de contornos definidos, colores predominantemente fríos, dibujosprecisos, y composiciones estudiadas, donde siempre prevalece la claridad y el orden.

-Entre los grandes pintores del momento, uno de los primeros en el tiempo y sin duda uno de los mejores es Jaques Luis David (París 1748- Bruselas 1825). Con él se inicia la atracción por el ambito clasico y el desarrollo de los temas históricos en sus pinturas, que sirven siempre de pretexto para la idealización de determinadas virtudes morales. Su inclinación neoclasica comienza en Roma donde toma contacto con el círculo clasicista de Winckelmann y Mengs, desarrollando desde entonces una pintura sobria, monumental, nítida en sus formas, de dibujo preciosista y rigurosas composiciones.

David vivió la Revolución francesa y participó activamente en ella dentro del ala exaltada del grupo jacobino, lo que no impedira su posterior admiración por Napoleón, del que sera su pintor favorito y su mejor cronista. De esa participación beligerante de David durante la Revolución este cuadro es la prueba mas comprometida y mas hermosa también.

-La coherencia ideológica de Marat y su proximidad a los mas pobres lo que le ganó el favor de las clases populares, de la misma manera que le granjeó el odio de los aristócratas. Fue esa misma coherencia, esa austeridad material y esa pureza ideológica, la que atrajo la atención de David, con el que ademas habían colaborado en varias acciones revolucionarias.
Su éxito en el verano de 1793al lograr la caída de los girondinos y la imposición del poder jacobino, fue determinante para su suerte, porque no sólo los aristócratas, también los girondinos coincidieron en acabar con él.
-La pintura representa el fallecimiento en 1793 de Jean-Paul Marat, el escritor del periódico radical L'Ami du peuple (El amigo del pueblo) y muy relacionado con la facción jacobina durante el reinado del Terror, aunque nunca fue un miembro indiscutible. Marat fue apuñalado el 13 de julio de 1793, mientras escribía en su bañera por Carlota Corday, que apoyaba a la facción girondina, mas moderada. Charlotte Corday marchó de Normandía a París obsesionada con la idea de asesinar al hombre a quien ella percibía como una «bestia», para así «salvar a Francia», y consiguió aproximarsele usando el subterfugio de hablarle de traidores a la causa de la Revolución. Corday lo asesinó con un cuchillo que había escondido entre sus ropas. Logró entrar en la casa de Marat con la pretensión de presentarle una lista de gente que debería ser ejecutada como enemigos de Francia. Marat se lo agradeció y le dijo que serían guillotinados la semana siguiente, momento en el cual Corday inmediatamente lo apuñaló. Carlota fue guillotinada poco después.
Marat esta situado en la bañera buscando el consuelo de un baño frío para suavizar los violentos picores de una enfermedad de la piel que se decía que había sido contraída años antes, cuandose vio forzado a esconderse de sus enemigos en las cloacas de París. Examenes mas recientes de los síntomas de Marat han llevado a afirmar que las erupciones cutaneas de Marat venían de una enfermedad celíaca, una alergia al gluten, que se encuentra por lo común en el trigo. Sobre el baño improvisaba un pupitre para escribir sus listas de nombres de gente que debía ser ejecutada por crímenes contra el estado.

David era un amigo íntimo de Marat. Quedó abrumado por su capacidad natural para convencer a las masas con sus discursos, algo que él todavía no había logrado a través de la pintura (por no mencionar sus dificultades a la hora de hablar, debido a una deformidad facial causada por una herida durante un duelo). Determinado a conmemorar a su amigo, David no sólo le organizó un espléndido funeral, sino que pintó su retrato poco después. Le pidieron que lo hiciera por su anterior cuadro, La muerte de Lepelletier de Saint-Fargeau. La versión oficial de su muerte fue haber votado la muerte del rey Luis XVI, aunque posiblemente fue también víctima de alguna oscura trama que implicaba a España.
A pesar de la precipitación con la que pintó el cuadro (la obra fue terminada y presentada a la Convención Nacional menos de cuatro meses después de la muerte de Marat, pero el resultado fue una imagen simple y poderosa, se considera generalmente que es la mejor obra de David, un paso definitivo hacia lamodernidad, y una afirmación política inspirada e inspiradora.
-Aunque la figura del propio Marat esta idealizada - por ejemplo, no se evidencia ninguno de sus problemas de piel que sufría-, los detalles alrededor del modelo se consideran ampliamente verídicos.
Primero y ante todo, por supuesto, es un retrato del hombre asesinado. Pero hay mas de lo que parece. La pintura ha sido comparada a la Piedad de Miguel Angel - nótese, en particular, el brazo alargado que se cuelga en ambas obras. David era también un conocido admirador de las obras de Caravaggio, especialmente por su composición y luz, y el Santo Entierro (1602-1604), conservado en la Pinacoteca Vaticana, es otra referencia que a menudo se cita. Los parecidos pueden ser el resultado de una «alquimia mental inconsciente» en el cerebro de un artista conocido por su amplia cultura visual, pero puede ser igualmente deliberada.

Pintó a Marat, martir de la Revolución, en un estilo que recordaba al de un martir cristiano, con la cara y el cuerpo bañados en una luz suave y brillante, pero tal como el Arte Cristiano había hecho desde el principio, también él jugó aquí con referencias a varios niveles, incluyendo el arte clasico.
-David se propone como un deber la lúcida, despiadada fidelidad a los hechos. Presenta a Marat muerto. 'No comenta, presenta el hecho, aduce el testimonio mudo e inamovible de las cosas. Una caja de madera mal barnizada, que hace demesa, habla de la pobreza, de la integridad del político. Sobre la caja una especie de cheque que, aunque es pobre, manda a una mujer que tiene el marido en la guerra y no tiene pan para sus hijos, habla de la generosidad del hombre. Abajo, en primerísimo plano, el cuchillo y la pluma, el arma de la asesina y el arma del tribuno. Para la comparación dispone, en lo alto, las dos paginas escritas, la orden de entregar el cheque a la ciudadana necesitada (la bondad de la víctima) y la falsa súplica de la emisaria de la reacción (la traición de la bondad).
-El valor de la obra consiste en haber sabido transformar un asesinato en una obra de arte universal que trasciende el puro y simple hecho concreto para convertirse en un símbolo genérico, demostrando que ha llegado a la identificación de lo que es real con lo que no lo es.
Convierte a Marat no sólo en martir de la revolución sino también, según Honour, en arquetipo ennoblecedor de todos los que mueren por sus ideales. Es, de hecho, una 'piedad secularizada'.
David no describe la violencia del asesinato, ni el sufrimiento, ni la desazón de la muerte, sino el paso del ser a la nada
Así, Marat aparece como un héroe clasico, por su desnudo clasico, por su anatomía clasica, por sus proporciones clasicas, pero sobre todo por su idealización clasica: es una figura hermosa cuando Marat no lo era en la realidad, y acuña un gesto de serenidad en su últimosuspiro, imperturbable al dolor y victorioso ante la muerte
En la otra mano una nota escrita por Corday en la que imploraba el perdón de Marat por su traición, y que si bien es cierto que la escribió, nunca llegó a las manos de Marat, apareciendo en el cuadro como otro símbolo del poder de sus virtudes morales frente a las de los traidores.
Ampliamente admirada durante el Terror, cuyos líderes ordenaron varias copias de la obra original (las copias se hicieron en 1793-1794 por alumnos de David para servir de propaganda)
-Pero como tantas veces ha ocurrido en la historia, esta muerte violenta no hizo mas que acrecentar la leyenda de Marat, convertido a partir de entonces en martir de la Revolución y héroe de los mas desposeídos. Estamos por tanto ante un hecho histórico que sobre el lienzo se idealiza engrandeciendo las virtudes morales que exaltan al protagonista, un aspecto que como hemos comentado, resulta recurrente en toda la pintura neoclasica y especialmente en la obra de David.
-La muerte de Marat cayó en desgracia al tiempo de la caída y ejecución de Robespierre. Le fue devuelto a David en 1795, siendo él mismo perseguido por su participación en el Terror como amigo íntimo de Robespierre (tuvo que esperar al auge de Napoleón para convertirse en un artista prominente de nuevo). Desde 1795 hasta la muerte de David, el cuadro languideció en la oscuridad y cayó en el olvido. En 1826 (y mas tarde),la familia intentó venderlo, sin ningún éxito. Fue redescubierto por los críticos a mediados del siglo XIX, especialmente por Charles Baudelaire, cuyo famoso comentario en 1846 se convirtió en punto de arranque de un creciente interés entre artistas y estudiosos. En el siglo XX, la pintura inspiró a varios pintores (entre ellos a Picasso quien produjo su propia versión) y escritores (el mas famoso, Peter Weiss y su obra Marat/Sade).
La pintura original se encuentra actualmente en los Museos reales de Bellas Artes de Bruselas, y allí estan como afortunado resultado de una decisión de la familia, que se la ofreció, en 1886, a la ciudad donde el pintor había vivido en paz y murió en el exilio después de la caída de Napoleón. Alguna de las copias (el número exacto de las mismas se desconoce) hechas por alumnos de David (entre ellos, Serangeli y Gérard) sobrevivieron, y se encuentran en los museos de Dijon, Reims y Versalles.

Bibliografía.
https://es.wikipedia.org/wiki/La_muerte_de_Marat
https://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc81.html
https://www.artecreha.com/Miradas_CREHA/jl-david-qla-muerte-de-maratq.html
El Arte Moderno, Carlo Argan Giulio
37 38

[pic
La bañista de Valpinçon o La gran bañista
-Es un cuadro del pintor francés Dominique Ingres. Data del año 1808 y se trata de un óleo sobre lienzo que mide 146 cm de alto por 97,5 cm de ancho. Se conserva actualmente en el Museo delLouvre de París, Francia. En francés se la llama La Grande Baigneuse, dite Valpinçon, aunque en el Louvre se la llama, simplemente, La Baigneuse.

-Pese a ser una obra de juventud, la síntesis esta conseguida. Si se aíslan partes del lienzo, las piernas parecen demasiado esbeltas, el dorso demasiado ancho, la figura desproporcionada, pero el conjunto resulta armónico debido sobre todo a la utilización del claroscuro, que matiza desde la sombra de las piernas hasta la luminosidad de los hombros.
-Esta luz matizadora no proviene de una fuente precisa y no incide directamente en los objetos, sino que surge de la relación de los colores, sobre todo del dorado de la piel con los fríos grises del fondo y los tonos verde oliva de la cortina.
-La escenografía aparece reducida al mínimo, ya que salvo por el grifo dorado y la luz que emana de la bañera que no se ve, sólo el título de la obra nos remite a lo que acontece en la escena, no quedando claro si ha salido del baño o aún no ha entrado. Ademas de eso, la cortina y la cama completan la composición, en la que lo importante es el cuerpo femenino, que responde al ideal de belleza del pintor, repetido en numerosas ocasiones.
-La obra muestra su maestría como tal, contraponiendo líneas rectas y suaves curvas con los nudos mostrados por las telas de la cabeza, del brazo y la cortina.
-La gran figura esta representada de espaldas, con un cuerpo bastantevoluminoso, siendo casi un cilindro representado en un espacio cúbico, limitado por los tonos fríos de las paredes. No hay angulos rectos, se tapa.No tiene rostro, ya que lo poco que se ve de él, esta velado por la sombra. Pero junto a esta parte oscura, destaca una nota de luminosidad, la que pone la tela que le envuelve la cabeza, de color blanco que se torna calido al contacto con los rojos del bordado. Este turbante que recoge el pelo de la protagonista trae reminiscencias orientales, justo en una época que asistira al interés por todo lo que suene a exotismo.
-La pintura refleja los conocimientos escultóricos del autor. Los pliegues de las cortinas y de las sabanas, mas que pintados, parecen cincelados. La misma figura de la mujer, tan real e imperfecta (las piernas son demasiado finas y graciles y la espalda, muy ancha), invita a ser palpada, en gran medida por el papel que juega la luz en la obra. Ésta funciona como un agente escultor.
-El foco, que no proviene de ningún punto concreto, se intensifica según asciende por el cuerpo: del claroscuro que baña los pies se pasa a la luminosidad de la espalda.
-En este cuadro, utiliza colores calidos y dorados para la piel de la protagonista y grises fríos en los planos del fondo. El brillo del agua y de la pata de la cama son un ejemplo de la fascinación que el artista sentía por los fenómenos ópticos y los reflejos.

-El pintor concluye el cuadro en 1808,dos años después de partir hacia Italia becado por la Academia francesa, para una estancia de aprendizaje que acabara prolongandose durante 18 años. En Roma, estudia la obra de los artistas renacentistas y traslada el canon de la belleza clasica a su tiempo, bajo la premisa de que el arte debe buscar sus raíces en el pasado si quiere evolucionar. El primer título de esta obra fue Mujer sentada. Firmado en la esquina inferior izquierda, después se la conocería como La bañista, añadiéndose luego, de Valpinçon.
-La Baigneuse de Valpinçon fue pintada en Roma en 1808, cuando triunfaba la poética canoviana de la 'belleza ideal' a la que Ingres no era en absoluto insensible. Para Canova la belleza ideal estaba en la figura o, mas exactamente, en la sublimación de la figura hasta su identificación con la idea transcendental de lo bello; el medio apropiado de esta búsqueda era, pues, la escultura, que aislaba a la figura de la contingencia de las condiciones ambientales. -- ---Ingres consideraba mas apropiada la pintura que, naturalmente, representa a la figura junto con el espacio en que se encuentra. Para él, pues, lo bello o la forma no esta en la cosa en sí, sino en la relación entre las cosas. Este conjunto de relaciones estara claro cuando todos los componentes de la forma (línea, claroscuro, color, luz) constituyan un todo unitario, una síntesis.' (Argan, G.C., ob., cit. pag. 49-50)

-Esta bañista esla primera de una serie que realizara a lo largo de toda su carrera. Es un ejemplo de la pintura ejecutada por Ingres durante el período 1806-1820, en que estuvo instalado en Roma. Allí se entusiasmó con las antigüedades clasicas y los frescos de Rafael. Esta Gran bañista, lo mismo que François-Marius Granet (1807) y Madame Devauçay (1807), fueron aplaudidas por la crítica parisina.[2]
-Este cuadro es una muestra del interés que despertaba Oriente en la Europa del siglo XIX. A diferencia de otros autores de la época, como Delacroix, Ingres no visitó ningún país africano u oriental, sino que se inspiró en los libros. Quiza por eso limita los elementos exóticos a las telas, los objetos y los instrumentos musicales de fondo. El baño no era usual en la Europa de la época, y mucho menos en público, al contrario que en Africa y Asia. Ingres, y Europa entera a través de sus pinturas, redescubre estos baños, un legado del imperio grecorromano.
Ingres cultivó el orientalismo sobre todo a través de sus numerosos desnudos femeninos, de líneas sinuosas, dibujo exacto y pureza de formas. Los cuadros orientalistas de Ingres estan dominados por un sentido irreal del exotismo, propio del siglo XVIII.
-Ingres antepone el dibujo al color: «La línea es la reina; el color, su sirviente», decía. Aunque fue su padre quien le impartió sus primeras lecciones, fue Jacques Louis David, fundador del neoclasicismo francés, quienle inculcó el amor a la línea por encima de todos demas aspectos en la pintura.

Como discípulo de David, podemos ver un precedente de este cuadro en la muerte de Marat, espacio pictórico desnudo esencial que se reduce a unos pocos planos definidos por horizontales y verticales como la muerte de Marat; sin embargo, cambia el tema: el personaje esta falto de toda implicación ideológica y moral; las tonalidades son claras y transparentes. Evita la sugerencia emotiva y sensual presentando a la mujer de espaldas y sin movimiento: la figura esta como suspendida en el limitado espacio lleno de luz fría. No tiene cara; sin embargo, junto a la nota mas oscura del cuadro se halla la nota luminosa mas alta, la tela de la cabeza. Ingres es el primero en comprender que la forma no es mas que el producto de la manera de ver o experimentar la realidad propia del artista. Reduce el problema del arte al problema de la visión. Sus planteamientos tendran repercusión e Degas, Renoir, Cézanne, Seurat y Picasso: lo 'ingresco' ha sido y es una constante de las variables inquietudes de la contemporaneidad novecentista.
-Ingres muestra a la protagonista de su obra completamente desnuda, a excepción del delicado fular que cubre parte de su brazo izquierdo y el pañuelo de la cabeza. La mujer se descalza y se prepara para darse un baño. El pintor oculta su rostro, rehúye la personificación de la modelo y la despoja de susrasgos psicológicos. Con este cuadro, el francés inaugura uno de los temas recurrentes de su iconografía: los desnudos femeninos. En 1863, cuando ya contaba 82 años, recuperara a la bañista –con el mismo giro de cabeza y paño recogiéndole el pelo– para otra de sus grandes obras maestras, El baño turco. Ingres admiraba profundamente a Rafael de Sandio y parece haberse inspirado en el dibujo rafaelesco y su concepto de desnudo.
-Ingres ama la belleza y a ella supedita todo su arte. No quiere reivindicar nada; sólo crear las obras mas hermosas posibles. Lo importante, para él, es el cuerpo femenino desnudo en reposo. El poeta y crítico de arte Charles Baudelaire dijo: «Las mujeres hermosas, esos seres voluptuosos radiantes de salud y de naturaleza sosegada, son [para Ingres] su alegría». La obsesión del artista por la belleza y por evitar ver o hacer algo que no fuera bello llegó hasta tal extremo que durante sus paseos por Roma, su esposa, Madeleine, le cubría los ojos con la punta de su chal para evitar desasosegarle con la visión de los mendigos.

Bibliografía

https://xlsemanal.finanzas.com/web/articulo.php?id_edicion=1267&id=8779

https://arte.laguia2000.com/pintura/la-banista-de-valpincon-de-ingres-1808

https://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc82.html

https://es.wikipedia.org/wiki/La_ba%C3%B1ista_de_Valpin%C3%A7on

El Arte Moderno, Carlo Argan Giulio pagina 43 44

[pic]