HISTORIA DEL ARTE DE LA BAJA EDAD MEDIA
CUADERNO DE ACTIVIDADES


I Teórica

Contexto general, características, escuelas y principales artistas de la escuela Toscana del Trecento.
A inicios del siglo XIV Roma pierde el papel protagonista al trasladarse el papado a Avión. En este momento histórico los franciscanos estan en pleno apogeo y su sede en Asís se convierte en un verdadero epicentro artístico, todos los pintores de mayor renombre dejaron allí muchas de sus obras maestras. Junto con Asís, las ciudades de Siena y Florencia seran los centros artísticos mas importantes del siglo.
En estos años se produce la ruptura definitiva con los canones de la tradición bizantina. Desde la Toscana las innovaciones tomaran forma de la mano de artistas como Duccio en Siena y Cimabue en Florencia, pero sobre todo el discípulo de este último, Giotto. Este artista es el verdadero introductor de una nueva maniera en la pintura.

Cimabue (Florencia, 124 – Pisa. 1302) ha sido considerado como precursor y maestro del gran Giotto. En su crucifijo de la iglesia de la Santa Croce de Florencia vemos como se aleja de modo definitivo de la maniera greca, mostrando personajes que trasmiten tristeza de forma realista, un cuerpo de Cristo que por primera vez se trata de una manera que podemos considerar de naturalista. La última etapa la desarrolla en Pisa, destacando la figura de San Juan Evangelista del mosaico del abside del Duomo.
La Escuela de Florencia
Giotto di Bondone (Colle diVespignamo, 1297 – Florencia, 1337) El prestigio del que gozó en vida refleja la cantidad de encargos que recibe. La denominada “revolución pictórica” de Giotto anticipa muchas de las innovaciones pictóricas desarrolladas en el Renacimiento como la preocupación por la tridimensionalidad del espacio, la importancia de los gestos de los personajes como medio de expresión de las emociones y estados de animo. En su obra encontramos un gusto por los colores luminosos. Sus obras se pueblan de multitud de detalles. Entre sus obras podemos destacar: la serie de frescos sobre la Vida de San Francisco realizados en la Basílica Superior de Asís, la Capilla Scrovegni en Padua, la Carpilla Bardi y la Capilla Peruzzi en la iglesia de la Santa Croce en Florencia.
Otros artistas de la Escuela de Florencia son: Taddeo Gaddi y Bernardo Daddi.
La Escuela de Siena
Duccio di Bouninsegna (Siena, 1255 – 1318/19) es a la escuela de Siena lo que Cimabue fue para la florentina. En la que se considera su primera obra maestra, la Madonna Rucellai, se observa cierta preocupación por la profundidad espacial, y un aire de elegancia y refinamiento. Su obra magna es la Maestà de Siena. Otra obra destacada son un conjunto de vidrieras para la Catedral de Siena.
Simone Martín (Siena, 1284 – Aviñón, 1344), es el discípulo mas aventajado de Duccio. Su primera obra fue una Maestà para el Palazzo Pubblico de Siena, en este mismo Palazzo realiza una de sus obras maestras Guidoriccio de Pogliano a caballo. En Asísrealizó la Capilla de San Martín.
Pietro Lorenzetti (Siena, 1280 – 1348) en la Basílica inferior de Asís realiza su obra mas antigua conocida, la Virgen con el Niño entre San Juan Bautista y San Francisco. En Siena realiza una de sus últimas tablas conocida, el Tríptico de la Natividad de la Virgen.
Ambroggio Lorenzetti (Siena, 1290 – 1348) una de sus primeras obras es la Virgen con el Niño de Vico d’Àbate en Florencia. Su obra magna la realiza para el Palazzo Pubblico, se trata de dos frescos alegóricos sobre los Efectos del Bueno Gobierno y del Mal Gobierno.

La pintura flamenca. Contexto geografico, histórico y social. Principales rasgos de la pintura flamenca. Los fundadores del estilo
La escuela primitiva flamenca excede los límites del condado de Flandes por lo que algunos especialistas prefieren hablar de primitivos neerlandeses. La pintura al óleo sobre tabla se desarrolla en un area que abarca la región del actual Benelux y el nordeste de Francia, propiciado por la unificación política bajo el Ducado de Borgoña desde el año 1433. En esta región se produce un desarrollo urbano extraordinario y una gran prosperidad económica. Esto trajo consigo el auge de los oficios artesanales y especialmente el arte pictórico, que encontraba una creciente clientela en la burguesía. Brujas fue sin duda el centro artístico mas señalado. Tournai es la otra gran ciudad donde podemos decir que nace la escuela flamenca.
Principales rasgos de la pintura flamenca
Una de las principalesnovedades de esta escuela estriba en el perfeccionamiento de la pintura al óleo, ello posibilitó una mayor variedad de tonos y un acabado brillante de las obras. Igualmente, se observa un gusto particular por la minuciosidad de detalles. El talante observador y minimalista de estos pintores se relaciona con una acusada vocación de realismo, el interés por captar la realidad no se limitara a la materia, el analisis psicológico y la inteligencia de la mirada irrumpen también en el arte pictórico. El naturalismo y el detallismo denotan una completa dependencia de la naturaleza, que pretende ser retratada en toda su verdad. Las tablas flamencas estan llenas de alusiones simbólicas y metaforas visuales, siendo frecuente la presencia de relieves arquitectónicos con mensajes bíblicos. Se produce un desarrollo de nuevos géneros pictóricos como el retrato en una clara materialización del auge del individuo en un mundo cada vez mas secular. El uso particular de estas tablas, fruto de una cultura de lo privado, llevó a que fueran con frecuencia transportables y de pequeño formato.

Los fundadores del estilo
El Maestro de Flémalle, identificado como Robert Campin (Valenciennes, 1375 – Tournai, 1444), destaca tanto por su calidad artística como por encabezar una importante escuela en Tournai. Estamos ante el fundador principal del estilo flamenco, su obra reúne todas las características de la escuela. La mayoría de sus tablas estan sin firmar, pero hay un grupo de obras que se le atribuyen concompleta unanimidad y que presentan el estilo puro del artista. La pintura de Campin se distingue por los contornos bien perfilados, los rostros individualizados y por la voluntad de captar las calidades de las cosas, logrando una pintura tactil gracias al dominio del óleo. Una de sus obras mas logradas es Los Desposorios de la Virgen. Quizas su obra mas conocida sea el Tríptico de la Anunciación o Tríptico Mérode. También se dedicó al retrato, entre los que podemos destacar Retrato de hombre robusto y Retrato de una dama. La única obra fechada de este pintor es San Juan Bautista y el maestro franciscano Enrique de Werl.
Jan van Eyck (Maaseyck, 1390 – Brujas, 1441), es sin duda el pintor mas célebre de esta escuela y el mas virtuoso en el empleo del óleo. Se sabe que en 1425 trabajaba para el propio Felipe el Bueno, ya en 1432 se instala en Brujas donde sera un pintor codiciado. Su obra destaca por captar la naturaleza con asombroso verismo y minuciosidad, también debemos destacar la carga psicológica de sus retratos. Su primera tabla conocida es el Políptico del Cordero Místico. Uno de sus retratos mas famosos es el Hombre con turbante rojo. Pero quizas la obra mas famosa de van Eyck es el Matrimonio Arnolfini. En cuanto a sus obras de tematica religiosa destaca La Virgen del canciller Rolin.
Rogier van der Weyden (Tournai. 1399 – Bruselas, 1464), aunque casi toda la obra esta sin firmar ha podido identificarse con rigor gracias a la definición precisa de sus rasgosestilísticos. Aglutina las principales características de la pintura flamenca: el dominio del óleo, el fuerte realismo, el detallismo y las cualidades tactiles en la representación de los objetos. El fuerte patetismo de sus composiciones religiosas lo convierten en pintor de éxito. El sentimiento tragico encuentra su expresión mas elocuente en El Descendimiento. Otra obra significativa de van der Weyden es San Juan dibujando a la Virgen. Ademas de las composiciones religiosas este autor es famoso por sus retratos, uno de los ejemplos mas excepcionales es el Retrato de mujer.
BIBLIOGRAFÍA
ESPAÑOL, F., El Arte Gótico (I). Madrid. Historia 16. 1989
VV.AA., El Arte en la Baja Edad Media Occidental: Arquitectura, Escultura y Pintura. Madrid. Centro de Estudios Ramón Areces. 2014
YARZA, J., El Arte Gótico (II). Madrid. Historia 16. 1989

II Practica
Esta imagen corresponde al interior de la nave central de la catedral de Canterbury. Inglaterra fue el primer territorio no francés en adoptar el estilo gótico, en reformularlo y dotarlo de características originales y de una evolución singular. Desde finales del siglo XII el estilo normando fue sustituido por el gótico y se importaron las formas constructivas de la Île-de-France, el aislamiento insular de Inglaterra provocó su particular expansión. El gótico inglés esta dividido en etapas, y a la primera de ellas, denominada early gothic y desarrollada en la primera mitad del siglo XIII pertenecería la reconstrucción del coro y el abside dela Catedral de Canterbury bajo la dirección del francés Guillermo de Sens, tras un incendio del templo romanico (1174).

La nueva arquitectura pretende acercar a los fieles de una manera vivencial y casi palpable a los valores religiosos y simbólicos. Para lograr esta materialización espiritual se precisó de la ejecución de una novedosa técnica constructiva en la que elementos como el arco apuntado u ojival, la bóveda de ojivas o el arbotante fueron empleados de forma sistematica, lo que permitió levantar estructuras esbeltas y ligeras.

Esto último es notorio en la imagen donde podemos sentir la insignificancia de las personas ante la majestuosidad del templo, Partiendo desde las bóvedas observamos como los nervios actúan como auténticas cimbras permanentes sobre los que se apoyan los plementos de las bóvedas. Todos estos nervios convergen en los pilares que agrupados llegan hasta el suelo del templo, según el principio establecido en la arquitectura romanica de que a cada pieza sostenida le debe corresponder su soporte. Podemos observar que la tribuna ha desaparecido, ya no es necesaria porque los empujes de la cubierta son recogidos en el exterior por los arbotantes. La nave central adopta un alzado que podríamos denominar clasico: arcada, triforio y claristorio. A través de los arcos que dividen la nave central de las laterales observamos como entra la luz de los ventanales abiertos en los muros, esto es posible a la estructura diafana que adquiere la catedral creada abase de elementos verticales que permite que los muros tradicionales, liberados de las cargas, pasen a ser simples cerramientos del espacio y que el macizo pueda ser sustituido por el hueco. También podemos señalar como la luz entra desde arriba a través de la torre cimborrio situada sobre el crucero. Lo dicho anteriormente nos lleva a indicar como la luz es el atributo fundamental del arte gótico. La belleza y la intención del espacio gótico no pueden entenderse sin la luz.
Esta imagen nos acerca a La Alhambra (“la roja”) granadina formada por un conjunto de dependencias del siglo XIII y otras añadidas a lo largo de los siglos XIV y XV. Su estructura obedece al esquema del palacio-fortaleza típico de la arquitectura islamica. Las torres del Homenaje y de la Vela pertenecen a la primera época y rodean la alcazaba o fortaleza. El núcleo principal de la Alhambra esta constituido por los palacios de Comares y de los Leones. El primero data del reinado de Yusuf I (1334-1354), lo integran dos patios, el Mexuar y el de los Arrayanes. El palacio de los Leones se edificó durante el reinado de Muhamad V (1354-1391), y destacan en él las salas de los Abencerrajes y la de las Dos Hermanas (a la que pertenece la cúpula de mocarabes que nos muestra la fotografía) y el Patio de los Leones, en cuyo centro se encuentra la conocida fuente.
A menudo se habla de la pobreza de los materiales enmascarados por la riqueza de los recubrimientos decorativos, pero los materiales no son pobres ni ricos.Es su uso y manipulación la que los empobrece o enriquece y cuando, como en el caso del arte nazarí, cumplen con su función no podemos hablar sino de una capacidad extraordinaria para manipularlos y transformarlos, que los eleva, mediante la maestría, a un intencionado concepto de belleza mediante la elaboración de complejos programas simbólicos para hacer patente su poder.
La Sala de las Dos Hermanas corresponde a la segunda residencia del Palacio de los Leones, con semejante estructura a la de los Abencerrajes, es decir, elevada con respecto al Patio desde el que se accede por una única puerta, con cierre de madera ataujerada, ricamente decorada mediante composiciones geométricas.
Tras la entrada, se desarrollan a derecha e izquierda sendos corredores que conducen respectivamente, a las habitaciones de la planta superior y al retrete de la vivienda. El nombre lo recibe por las dos grandes losas de marmol, centradas por una fuentecilla que evacua por un canalillo al Patio de los Leones.
El zócalo de alicatados, uno de los mas originales por su peculiaridad de toda la Alhambra, es una bella composición geométrica a base del entrelazado de cintas de varios colores.
La decoración de yesería de los paramentos, dividida como es característico del arte nazarí en grandes paños separados por inscripciones epigraficas, cubre por completo los muros, culminando en la que es sin duda la obra maestra: una cúpula de mocarabes que, a partir de una estrella central, se desarrollan medianteel conocido teorema de Pitagoras.
En los dos laterales de la Sala, de planta cuadrada, abren dos alcobas. Cada una con su característico espacio para la tarima o cama, que se cubren con unos extraordinarios artesonados de madera bellamente decorados.

Esta imagen nos acerca de nuevo al peculiar estilo de las Islas Britanicas. Un edificio inglés tiene muy poco en común con los que se levantan contemporaneamente en el continente. En el interior llama la atención la existencia de dos transeptos, de los cuales el segundo acostumbra a ser mas corto. En el exterior, en un genuino edificio inglés prevalece la horizontalidad por encima de la verticalidad, a pesar de la presencia de las dos torres a ambos extremos de la fachada, o de la que se emplaza sobre la intersección de la nave central con el primer transepto.

Volviendo a la imagen, nos encontramos ante la fachada principal de la catedral de Salisbury, iniciada en 1220 y concluida en 1266, es uno de los mejores ejemplos de la particularidad del gótico inglés del momento. Es el único edificio de esta época construido de nueva planta siguiendo un proyecto unitario. Presenta todos los elementos que singularizan las catedrales inglesas: una cabecera recta, un doble crucero, una nave central muy alargada y dos dependencias anejas características: claustro y sala capitular. En alzado destacan la torre-linterna sobre el crucero mayor y la articulación del muro de la nave central en tres cuerpos: arquerías, triforio continuo yventanales, con un claro predominio de lo horizontal sobre lo vertical y con ventanales de escaso desarrollo.

Sin duda, el gótico inglés es un estilo mas horizontal que el francés, y en esta fachada es evidente. Otra de sus marcadas peculiaridades son las denominadas fachadas-pantallas (screen façades). Su aspecto es el de un gran telón horizontal, con un característico predominio del plano rectangular, reducidas puertas de acceso, aunque se decoren con gabletes y una profusa ornamentación de arquerías que cobijan galerías de estatuas, cubriendo toda la superficie del muro, incluidas las torres. Éstas se sitúan en un segundo plano, por detras del telón de la fachada. Todo lo expuesto se corresponde con lo que podemos observar en la fachada occidental de la Catedral de Salisbury.
En España, el gótico se desarrolla desde finales del siglo XII. Sus primeras formas estéticas fueron importadas de Francia, para luego pasar a formular características propias. Presenta tres épocas diferenciadas en su evolución, que no coinciden con las fechas de las etapas del gótico francés, y una última de gótico tardío. En la primera época, en el siglo XIII, marcada por las estrechas relaciones de Castilla con Francia, se produce una importación directa del modelo constructivo francés, es la época de las grandes catedrales españolas.
Los primeros edificios góticos, las grandes catedrales castellanas, fueron obras impulsadas por el poder, vinculadas a intereses políticos tanto de la monarquía como de lasaltas jerarquías eclesiasticas. El gótico pleno coincide con la construcción de tres significativas catedrales. Burgos, León y Toledo.
La catedral de León se concibe desde sus orígenes como una obra de nueva planta. En ella se reúnen todos los logros de la arquitectura francesa y se funden las influencias de Chartres, Amiens y Reims. La fecha de inicio de las obras es difusa, parece que los trabajos fueron lentos hasta 1254 cuando bajo el impulso del obispo Martín Fernandez se incorporó a la fabrica el maestro Enrique, primer arquitecto documentado, quien había trabajado en Burgos.
El interior presenta un alzado tripartito, con un estrecho triforio sobre el que se abren amplísimos ventanales con magníficas vidrieras. Los paramentos se hacen transparentes y la luz coloreada que se filtra por las vidrieras invade el espacio transformandolo, aligerandolo y acentuando las sensaciones de elevación e ingravidez. Esta ligera estructura es sostenida al exterior mediante gruesos contrafuertes y dobles arbotantes.
La fachada principal se organiza siguiendo la disposición de la de Chartres, situando entre los amplios vanos de las puertas unos estrechos arcos lanceolados. Presenta tres pórticos sobre los que se abre un hermoso rosetón y esta flanqueada por dos torres: la de las Campanas y la del Reloj, sobre la que observamos un bonito chapitel. Pese a ser uno de los mas bellos modelos del gótico clasico, su influencia fue escasa en Castilla debido a la complejidad de su técnicaconstructiva. La calidad de su piedra ha hecho que desde 1631 hasta nuestros días haya sufrido derrumbamientos y que las intervenciones restauradoras hayan sido frecuentes.

III Practica:

Esta obra pertenece a Simone Martini, en concreto fue realizada en 1333 y es considerada su última obra destacada en Siena, se le reconoce como la Anunciación. Debemos señalar que las tablas laterales, dedicadas a San Ansano y Santa Margarita, fueron ejecutadas por su colaborador y cuñado Lippo Memmi. Simone Martini retoma las composiciones en fondo dorado (en un claro ejemplo de la influencia bizantina), abstracto, sin abandonar su característica elegancia y suntuosidad que imprime en lo detalles, gestos y colores. Llama la atención la expresión de sorpresa, e incluso de vergüenza, y el forzado contraposto de la figura de la Virgen mirando al Arcangel arrodillado. Estas dos figuras son las centrales de la tabla, las que nos relatan la escena, que esta presidida por un jarrón de lirios simbolizando la pureza y virginidad de María. El artista también utiliza la solería del suelo para crear perspectiva, para dotar a la obra de profundidad.
Una de las obras mas conocidas del taller del Maestro de Flémalle es el Tríptico de la Anunciación o Tríptico Mérode, realizado hacía el año 1425. La tabla central representa las figuras de la Virgen y del Arcangel Gabriel monumentalizadas y en primer plano. Se observan ya aquí los contornos secos propios de este artista y uno de los rasgos mas novedosos dela pintura flamenca: la interpretación de la escena sagrada como un hecho cotidiano, narrado en el interior de una típica casa burguesa. El espacio se puebla de objetos domésticos que nos acercan al siglo XV neerlandés y no a los tiempos bíblicos. El virtuosismo que demuestra el autor al captar aspectos como la textura de los cabellos, la decoración del jarrón y los innumerables pliegues de las ropas, contrasta con la perspectiva torpe que se observa en la antinatural inclinación de la mesa. Muchos de los elementos de la estancia tienen una carga simbólica. El rollo y el libro que se sitúan frente a María simbolizan el Antiguo y el Nuevo Testamento, indicando con ello que las viejas profecías se materializaran en Jesús, concebido justo en el momento de la Anunciación. Por su parte, las azucenas en el jarrón hacen referencia a la virginidad de María.
Entre ambas obras podemos observar varias diferencias: el tratamiento del color, la representación de la escena, los pliegues de los vestidos, el retratar a los donantes de la obra (en la segunda en una tabla lateral que no se observa en la imagen). Entre las similitudes podríamos citar el uso simbólico de las flores para enviar el mensaje de la pureza de la Virgen.
Esta imagen nos trae la fachada principal de la catedral de Notre Dame en París, nos encontramos en pleno gótico clasico en la primera mitad del siglo XIII. Aunque no podamos observarlo en la imagen, las grandes fachadas góticas se organizan de forma tripartita, trescuerpos horizontales que se corresponden con el alzado de la nave central la dividen en altura, y tres secciones verticales, que se corresponden con la división entre nave central y naves laterales la recorren. Haciendo un recorrido en sentido ascendente podemos observar la zona superior del imafronte (constituida por los arcos de las tres puertas en las que se concentra una profusa decoración), a continuación nos llama la atención un friso corrido con decoración escultórica, conocido como galería de los reyes, sobre él, se abre el gran rosetón, de alrededor de 1220, que coincide con el espacio de la nave central y esta flanqueado por dos grandes ventanales.
La imagen que centra nuestra atención en este momento nos lleva hasta el tardogótico español, también llamado (aunque el término ha sido denostado) estilo hispano-flamenco porque se entendía que tan importante era su composición flamígera como una tradición islamica española practicada por artesanos de formación mudéjar. Nos encontramos a finales del siglo XIV y durante el siglo XV. Esta imagen se corresponde con la zona central de la fachada “de tapiz” de la iglesia de San Pablo de Valladolid. Haciendo un recorrido, igualmente en sentido ascendente, lo primero que nos llama la atención es la existencia de un arco carpanel en la zona inferior de la imagen, vemos esculturas, un pequeño rosetón con tracería y coronado por un arco conopial, mucha profusión de tracería, presencia de heraldica (elemento que nos esta anunciando lavenida del Renacimiento) igualmente coronada por arcos conopiales. La primera impresión es que el o los artistas tenían un verdadero horror vacui, toda la fachada esta cubierta con algún elemento decorativo.
Si tuviésemos que encontrar alguna similitud entre ambas imagenes considero que sería realmente difícil, mas alla del rosetón central y del hecho de que ambas sean de una catedral gótica. En cuanto a las diferencias considero que saltan a la vista, una forma totalmente distinta de tratar la fachada, multitud de elementos decorativos en la segunda y como he avanzado anteriormente, ya estamos en el Renacimiento.
Antes de comentar las imagenes es conveniente que nos acerquemos, aunque de forma muy breve, a los Almohades. Eran integristas liderados en sus orígenes por un mahdi, un iluminado proclamado como el enviado para destruir a los Almoravides y unir el Islam. Pese al retroceso cultural que siempre aparece parejo al integrismo, un testigo de la época, el ceutí Al-Idrisi, calificó este periodo como una época floreciente y próspera.
Los alminares o minaretes de las mezquitas cobran un especial significado con los almohades, elevandolos a auténticos símbolos del podeer del Islam. Uno de los testimonios mas repetidos es el de el minarete de la mezquita de Córdoba, hoy practicamente desaparecido.
Al-Mansur había convertido Sevilla en la capital de al-Andalus. En la imagen vemos el minarete de la mezquita de Sevilla, construido en 1184, siguiendo el modelo de la Kutubiyya ypor tanto también el de Córdoba.
En el caso del minarete de Sevilla, solo la base es de piedra, el resto en su totalidad esta ejecutado en ladrillo, que de acuerdo con los vestigios conservados debia ir encintado. Los esquemas compositivos son los mismos que se veran en otros minaretes, con los arcos ciegos, polilobulados y la lacería en forma de red de sebka. Los arcos ciegos entrecruzados parecen tomados de la arquitectura califal, lo que vendría a demostrar la supervivencia de las tradiciones de al-Andalus. Remataba el alminar un pabellón con cúpula gallonada y el yamur. En 1365 un terremoto derribó el yamur y la cúpula, el pabellón permaneció indemne y ya entre 1566 y 1568 Hernan Ruiz se encargó de levantar el cuerpo de campanas y colocar la veleta que representa a la Fe y le da su nombre actual a la torre: la Giralda.

Sobre el solar de la anterior Kutubiyya de Marrakech se reedificó la nueva en el 1157. Su alminar, que vemos en la imagen, se levantó siguiendo el modelo del de Córdoba. Es posible que las dos franjas ceramicas (con azulejos y alfardones vidriados) que rematan por arriba los dos cuerpos no fueran los únicos elementos ceramicos que tuviera las fachadas. Loo que si sabemos con seguridad es que el alminar, realizado en sillarejo de piedra de arenisca, estaba originalmente enlucido por un mortero de yeso rosa que desgraciadamente fue eliminado en la última intervención de 1990 dejando la piedra vista. Fue en esa actuación en la que se restituyeron losazulejos perdidos de las bandas superiores. Para algunos autores esta es el primer caso documentado en que se emplearon azulejos en el exterior de un edificio.

El final de la Edad Media se puede identificar por un florecimiento de la vida urbana, con el afianzamiento de nuevas clases profesionales y de corporaciones organizadas de oficios, por el desmantelamiento lento y progresivo de las estructuras feudales antiguas y por la secularización de la cultura, lo que trae consigo la intervención de nuevos grupos sociales en el arte y la arquitectura. Esta sociedad civil tendra un papel cada vez mayor en la definición de las construcciones. Todas las instituciones públicas se dotan ahora de valiosos edificios y la arquitectura se convierte en un medio a través del cual se pone de manifiesto la posición que se ocupa en la sociedad, una forma de propaganda y un elemento de poder.
En Italia la fuerza de las ciudades-estado se manifestó en la preponderancia de las construcciones ciudadanas y fueron altamente representativos los edificios civiles como el palacio público (ayuntamiento) de Siena, que vemos en la imagen. Construido en 1289 por los nueve gremios sieneses y sede permanente del Concejo de Siena. Este palacio dictó las normas arquitectónicas y decorativas para el resto de edificios de la Plaza del Campo, siendo casi obligatorio que el resto de edificios contaran con puertas y ventanas construidas por el típico arco sienes. Se trata de un edificio de fuerte caracter defensivo en elque destaca su remate torreado, recordando aún los castillos y fortalezas medievales. En una de las esquinas del Palazzo se encuentra la Torre del Mangia, alzada en 1325 como campanil profano, equivalente en presencia a la torre del Duomo. En el interior del Palacio se hallan las salas del Museo Cívico donde se conserva una espléndida colección de pintura.
Esta arquitectura civil consigue una gran originalidad en Venecia, donde el gótico flamígero se mezcla con elementos orientales y bizantinos. Los palacios venecianos de patricios, mercaderes y navegantes se abren al exterior con pórticos y logias. Sirva de ejemplo el palacio ducal en la Plaza de San Marcos y que vemos en la imagen. De orígenes bizantinos durante siglos desempeñó tres funciones vitales en la vida social y política de Venecia, fue residencia del Doge, sede del Gobierno de la ciudad y Palacio de Justicia. En este edificio se tomaron muchas de las decisiones mas importantes de la época que marcaron el destino de la Sereníssima. En el momento de su construcción su apariencia era la de un castillo, con torres y robustas murallas que lo defendían de un posible ataque por mar, pero repetidos incendios, y el paso del tiempo hicieron que sus numerosas reconstrucciones le otorgaran el aspecto que presenta a comienzos del siglo XXI. Las fachadas externas de la construcción, de estilo gótico veneciano, presentan refinadas decoraciones en tonos rosados y blancos, con símbolos y motivos alegóricos, capiteles y esculturas.